arte contemporáneo
Mare Nostrum es la colectiva que sigue a Il Secolo. Se trata de aunar el tema del MAR bajo el mismo manto en que lo veían en el Imperio Romano, Nuestro mar es ahora totalmente global y somos muy conscientes de ello. Por eso, en esta exposición se mostrará bajo sus múltiples apariencias; puede ser tranquilo y apacible a revelarse con toda su fuerza y carácter, cada artista nos aporta su visión y su momento. del 27 de enero al
Colectiva de grabado contemporáneo y libro de artista.
El arte contemporáneo está en constante experimentación y evolución por ello nuestro propósito es mostrar anualmente una selección de artistas que trabajan esta técnica.
En grabado las técnicas tradicionales dan paso a nuevas propuestas que enriquecen enormemente la gráfica actual.
Es por ello que cuando se quiere iniciar una colección es una fantástica propuesta.
También queremos adentrar al espectador en lo que es el mágico mundo del libro de artista. En el momento en que paraece que el libro desaparece, éste renace en forma de obra de arte. Indispensable muestra llena de creatividad. Hay que verla.
El dibujo contemporáneo se ha posicionado con todo su potencial creativo como una obra en si misma, el artista toma el medio en que siempre había concebido su obra, como el instrumento que utiliza para expresar sus primigenias ideas, para ahora, y directamente pasar a ser el protagonista de su creación.
El dibujo está posicionándose como una de las disciplinas más demandadas. Tanto en blanco y negro como en color, con sus diversas vertientes en técnicas, es uno de los objetivos al que apuntan los nuevos coleccionistas.
La riqueza de trazos, degradados y manchas le profiere un atractivo especial.
El lápiz de grafito, sanguina, carbón, stabilo, tintas y otros instrumentos se hacen ahora con el protagonismo de la obra.
El papel es uno de los soportes principales, pero no el único; podremos ver cartón, madera, metacrilatos y otros novedosos métodos que dan una riqueza muy singular al dibujo actual.
Olvidémonos pues del papel ingres y el elemental y académico carbón (que por supuesto también veremos),para adentrarnos en las nuevas propuestas, tanto técnicas como temáticas que sorprenden por su infinita creatividad.
Esta exposición mostrará pues, la oferta que actualmente propone el arte contemporáneo.
Desde diminutas propuestas cargadas de emotividad hasta la invasión del espacio por el propio papel.
El dibujo ya no es un simple lacayo de la pintura, ahora se revela como uno de los grandes protagonistas de la escena artística, por ello le dedicamos en exclusiva esta exposición que no le dejará indiferente.
Comparto el texto que me facilitó Ramón García Alcaraz, Doctor en Historia del Arte y director de la galería My name´s Lolita Art.
Ramón García me ha cedido la obra de este magnífico artista al que representa. Me interesaba mucho que el público mallorquín tuviera la oportunidad de conocer la visión y obra de Illán Argüello; un artista que hay que guardar en la memoria!
Pidiéndole un texto que pudiera definir su obra me envió este bellísimo escrito. Es un documento que habla sobre una exposición anterior, pero que muy bien puede encajar en esta que ahora presentamos, no dejen de leerlo, les encantará.
CONSTRUCCIONES PARA OCTAVIA
“De una ciudad no disfrutas las siete o setenta y siete maravillas, sino la respuesta que da a una pregunta tuya”
Italo Calvino
Conocí a Illán Argüello hace muchos años en la galería madrileña de Fefa Séiquer. Por entonces, el artista ya exploraba los mundos vacíos, casi autistas, de arquitecturas imposibles imbuidas en atmósferas que la crítica empezaba a etiquetar dentro de las vanguardias italianas.
Recuerdo que nuestras primeras conversaciones giraron en torno a la técnica y preparado del lienzo; un ritual que Argüello reconvertía en artesanía pura, utilizando todos los recursos del mundo antiguo, como un viajero inmóvil prepara meticulosamente su maleta antes de realizar un viaje imaginario. Y es que el pintor siempre viaja hacia lugares muy remotos, donde el espacio y el tiempo se detienen en una constante iconografía plagada de arquitecturas ficticias.
Como en Las ciudades invisibles de Italo Calvino, coincidencias intelectuales, la obra de Illán Argüello ha mantenido un paralelismo contemporáneo, en su más pura esencia del pasado, traducido a un presente riguroso con ciertas predicciones futuristas.
Ciudades o arquitecturas invisibles, sin límites, anónimas, con memoria, signos, cielos con ojos de luna y, sobre todo, con deseo.
El paso de los años acrecentó y cultivó nuestras conversaciones, que han ido continuándose en esa ciudad de ciudades que es Madrid, en cuyos variopintos rincones siempre hemos encontrado la respuesta que esa noche necesitábamos.
“Construcciones para Octavia” puede ser una reflexión hacia el ideal de mujer, que el artista siempre desea encontrar, y cuya arquitectura inventada puede servir de punto de partida válido para la identificación entre un hombre y una ciudad, como un signo superior de cultura.
Las arquitecturas de Illán Argüello aspiran a la identificación del hombre con lo natural. La ciudad es para el artista una segunda naturaleza creada por los humanos, con aspiraciones de habitabilidad y deseo de perfección. De ahí su obsesión por construirla con sutiles gamas cromáticas y suavidad de pincelada. La precisión en el trazo y el concepto desnudo de cualquier injerencia estética convierten su obra, como en las ciudades de Calvino, en un libro poliédrico, lleno de aristas y de zonas luminosas.
Ottavia y Octavia, ciudad telaraña, ciudad de vacío, mujer instruida e interesada por la cultura. Abajo no hay nada en cientos y cientos de metros, organizó viajes por ciudades griegas para recuperar el amor de Marco Antonio; cielos donde pasa una nube, visitó museos y templos, terrazas como navecillas donde recibió lecciones de filósofos.
Para Italo Calvino la vida en la ciudad de Ottavia es menos incierta que en otras ciudades. La vida de Octavia, la hermana del emperador Augusto, estuvo llena de amor sin respuestas en pequeñas parcelas, amor distribuido por limitadas terrazas observadas por la luna. Ciudades de amor y desamor, ciudades sin límite e invisibles, en las que el horizonte pictórico siempre mantendrá su infinito futuro.
Ramón García Alcaraz
Doctor en Historia del Arte
..."Geometrías perfectas en entornos irreales. La conjugación de sus formas rectas con elementos fantásticos crea escenas que tanto podrían ser en un futuro lejano como antes de que el hombre, tal y como lo conocemos, caminara sobre la Tierra. La arquitectura sin naturaleza, fría, tiene un aire fantasmal. Las formas nos son familiares y resultan asociables a una era tecnológica, pero su pulcritud es impropia del presente y parece más cercana a civilizaciones más evolucionadas que la nuestra. Colores fríos, grises inanimados, pero el rojo contrasta como latido vital, sangre que lleva el rastro humano a cuerpos metálicos. El rojo resulta la nota discordante, el indicio de la violencia primaria, el grito disconforme del inadaptado"...
El balanceo que sentimos en ocasiones estando en el mar, ha servido a Aina Cortés para conducirnos a un estado ensimismado, soñador y calmo. Toda la obra que nos presenta la artista está teñida de mar, de color a mar, de olor a mar. Toda esa gama de azules, turquesas y verdes, con algunos reflejos blancos, dorados, rosados u ocres son su mar.
MA DE FONDO ha sido el hilo conductor en la obra de Aina Cortés Piña; su paleta de colores se encuentra íntimamente ligada a la mente de la artista desde su infancia.
Vivir rodeado de agua, sentir la sal en su piel ha marcado irremediablemente la obra de esta artista que trabaja desde lo multidisciplinar, tocando gran cantidad de técnicas que se permite seleccionar, según la obra que quiera interpretar para llegar a tocarnos la fibra y sentir fluir el agua y notar la MA DE FONDO.
Como un director de orquesta necesita dominar todos los instrumentos, en el campo de las artes visuales ocurre lo mismo, se hace necesario el conocimiento de cantidad de técnicas para llegar a lo más hondo del espectador. Veremos aquí obras sobre papel, pintura , obra gráfica y unas pequeñas pero deliciosas piezas de cerámica que nos muestran su gran sensibilidad y su espíritu investigador. Experimentar con diferentes materiales y técnicas es una pasión que la artista logra contagiarnos.
Aina Cortés necesita comunicar sensaciones vividas y lo hace por medio de trazos medidos como el arco que forma la mano del director de orquesta, su batuta es el pincel, el buril o un simple lápiz; el resultado es una obra pausada y emotiva, buscando la belleza, siempre presente en las armonías de colores que combina con magistral precisión.
La mar de fondo que nos presenta puede aludir a muchas cosas, siempre presente en estas aguas que ensimisman al espectador así como lo sintió Aina Cortés al posar su mirada sobre un fragmento de mar...
Marisa Aldeguer
Amadeo Orellana
ArtShow
Angel Pascual Rodrigo es un artista de reconocido prestigio internacional, se caracteriza por el uso de medios tradicionales para adentrarse en el s.XXI.
Es un canto a la belleza y a la proporción, siempre en busca del equilibrio que ya hizo grandes a los pintores y artistas del renacimiento.
Su obra es resultado de un trabajo lento y calculado al milímetro, pero sin perder un ápice de sensibilidad y atracción, su obra cobra actualidad con los formatos y nuevos encuadres con lo que el artista demuestra estar al tanto de nuevas propuestas artísticas sin olvidar la sólida raíz de un taller del Renacimiento. Pura sensibilidad.
Andrés Planas, artista multidisciplinar que en esta ocasión presenta su nueva obra títulada "Panteón animista"; se trata de una serie de obras elaboradas a partir de imaginería africana de diferentes procedencias que el artista traslada a nuevos horizontes.
Aprovechando la fuerza de la imagen, la transforma dándole nuevos sentidos, siempre bajo el dominio del color y el guiño irónico que casi siempre caracteriza la obra de este artista.
Hay que añadir la gran libertad artística, formal y conceptual con la que trabaja Andrés Planas; no dejándose influir por tendencias del momento sino dejándose llevar por su intuición más pura y genuina
En tiempos de megalomanía, paranoia y narcisismo y cuando crece la ensación de que todo lo que de verdad importa está en venta, no resulta extraño que Andrés Planas decida, de nuevo, incorporar el humor -con carga de profundidad- en su hoja de ruta. El humor es el combustible de sus anteriores series: “Mediterráneo”, “Las tentaciones de Santa ägueda”, “Wunderkammer”, innerBooks” y en los collages “Fashion/off” y “No sex, please”. En esta ocasión Planas ha decidido cambiar de procedimiento y de intenciones. Para no andarnos con rodeos: Planas ha construido un panteón para ofrecernos la posibilidad de escoger entre varios dioses. Piensa, con razón, que estamos tan perdidos que con un solo Dios no nos basta; y bromea, al igual que Woody Allen, calibrando que si existe un único Dios, esperemos que tenga una buena excusa. De modo que manos a la obra.
Partiendo de esculturas africanas rescatadas en diversos mercados y guiado por las culturas animistas, sus tótems son una mezcla de arte tribal, arte popular ye imaginería infantil. En lo formal, la exposición contieneingredientes de sus culturas de origen -yoruba, ewe, mumeye, ashanti, etc-, las piezas son adornadas con fajas, cuentas y conchas brillantes, pieles de animal, perlas, brazaletes, tobilleras, madera policromada, tatuajes, perforaciones y extensiones.
Si hacemos caso de un aforismo griego según el cual puedes conocer más de una persona en una hora de juego que en un año de conversación, queda claro que Planas ve en el juego uno de los grandes dispositivos experimentales para disfrutar de aquello que entendemos por arte. Es así de sencillo: Planas disfruta del arte. Se recrea en la reinterpretación de los objetos, los transforma mediante nuevos procedimientos expresivos y se divierte con el collage o el ensamblaje para estructurar una cosmología propia que, como el animismo, permitan conjurar el caos y la incertidumbre. Si no es así, que sus dioses nos asistan.
Txema González
Mare Nostrum
9 de febrero -14 abril
Un encuentro fortuito entre los húmedos muros del espacio nos dio la clave para desarrollar esta insólita exposición.
Los artistas seleccionados han sentido un escalofrío al ver estos documentos que durmieron durante un siglo y ahora se manifiestan ante nuestros ojos.
Lo que cuentan estos pequeños trozos de papel se parece tanto a la actualidad, tiene tantas coincidencias...
Salvando que ahora somos más sofisticados y tecnológicos, parece que el tiempo no ha pasado.
Así pues los artistas han partido de un fragmento de IL SECOLO para plasmar todo aquello que les motiva este hallazgo.
Cada uno interpreta libremente el impacto que ha sentido al tener entre sus manos este pequeño pero escalofriante documento.
Su tacto y su olor también han influido, así como los restos húmedos de cal que lo mantuvieron vivo bajo capas y capas, para ahora revelarse.